26 OCTUBRE 2012. EL ESPACIO

Hoy continuamos con el tratamiento del espacio como envolvente. Sin embargo, debido a la dificultad que tuvimos todos ayer para representarlo, hoy nos vamos a ayudar para hacer los bocetos, además del marco, del papel de croquis.

De este modo, tras hacer un boceto, en el siguiente eliminas aquello que no te gusta, pero manteniendo idéntico eso que si te convence. Se trata de trabajar por capas, superponiendo unas sobre otras, hasta que el proceso final es el adecuado.

De nuevo, me ha resultado muy complicado trabajar con el color. Para mi gusto, es más fácil dar esa sensación de espacio profundo a través del blanco y negro, pero el uso del color es más complicado, y más aquí, que hay que usar superficies planas de color.

25 OCTUBRE 2012. EL ESPACIO

Esta semana vamos a tratar el tema del espacio. Hablamos del espacio como el vacío, la envolvente, el "entre" de las cosas. Por ello, es necesario que este espacio se relacione con determinados elementos a la hora de reproducirlo.

Vamos a tratarlo del mismo modo que lo hacía Matisse. Este empleaba un solo color prácticamente en sus obras, y a partir de ahí, con distintos matices, diferenciaba las distintas superficies.

Matisse se basaba en un triedro para representar sus espacios, pero nosotros vamos a emplear un diedro, poniéndonos totalmente de frente a la zona del espacio que queremos representar.

Para ayudarnos a enmarcar el espacio en nuestros papeles, hoy usamos un marco de cartón con una ventana en medio de 10x7 cm, proporciones idénticas a las de nuestros papeles.

Para representar el espacio, lo primero que debemos hacer es tantear, tantear en bocetos, para ir eliminando aquello que no nos parezca imprescindible y para ir enmarcando aquello que queremos que aparezca en nuestras representaciones.

Una vez que tenemos medio claro lo que queremos introducir en nuestra representación del espacio, pasamos nuestros bocetos al papel grande. Sin embargo, este nuevo papel debe servir para lo mismo, para hacer los últimos tanteos, y cambiar aquello que no nos gusta o que no funciona bien en la imagen.

Me ha resultado muy complicado el hecho de que el cuadro tuviera profundidad sin poder jugar con el uso de la perspectiva. El diedro limita la posibilidad de marcar las zonas mas lejanas y más cercanas, así que para dar esa sensación de espacio ha habido que jugar con los tonos de los colores, en mi caso, mas intensos cuanto más cerca estuviera la superficie.

EXTRAPOLACIONES

El trabajo para casa de esta semana consistía en crear espacios con figuras a partir de cuadros de Matisse.

En el primer trabajo, dos de esos cuadros venían dados. Además he usado otros cuadros de Matisse.

Los otros cuadros usados:

Y el resultado es este:

El segundo ejercicio consistía en lo mismo, pero eligiendo los cuadros que quisiéramos  Estos son los elegidos:

Y el resultado ha sido este:

19 OCTUBRE 2012

Continuamos dentro de la línea en la que trabajábamos ayer. El día de hoy consiste en representar a dos compañeros, del mismo modo que lo hicimos ayer con uno solo, integrando ambas figuras en el espacio circundante.

En mi caso, dibujé a dos compañeros sentados, uno sobre una silla baja y otro sobre un taburete elevado. Para ello, lo mismo que ayer, hacemos un croquis, un boceto en el que intentamos que las figuras humanas, pasen a ser líneas continuas y fluidas, sintetizando y no tratando de hacer un dibujo realista. 

Sin embargo, como vamos a trabajar sobre un papel de 100x70, nos incitan a que hagamos una especie de ventana dentro del cuaderno de 10x7cm para que luego podamos encuadrarlo bien.

Tras este dibujo, Fernando lo ve y me dice que tengo que captar mas bien la esencia, pues en este dibujo hay solo formas, pero no hay nada que nos haga entender que esos dibujos representan a nuestros compañeros. A modo de ejemplo, el hace este croquis, lleno de líneas gráciles en que representa a Gonzalo, una persona muy alta y delgada.

Por tanto, en el último croquis que hago intento exagerar más los gestos y conseguir un resultado parecido, en el que quede reflejado lo alta que es esta persona. Además, a modo de ayuda, podemos dibujar a las personas como si estuvieran desnudas, para que ni el grosor ni los pliegues de la ropa nos confundan.

Finalmente, copio mi croquis al cartón de 100x70. Al pasar Pedro Burgaleta por detrás, me incita a que marque más las líneas de contorno, que defina las formas del ser humano. En lugar de que el brazo parezca una salchicha, este debe tener marcado el hombra, el codo, el antebrazo, la muñeca. Y así, y tras trabajar esta vez sólo con colores primarios y secundarios, este es el resultado final.

18 OCTUBRE 2012

Esta semana vamos a continuar centrándonos en el gran representante de movimiento conocido como el Fovismo: Henry Matisse.

Para ello, el trabajo de hoy consiste en hacer un cuadro, imitando al artista, en el que aparezca representado nuestro compañero de clase integrado en el fondo que le rodea.

En primer lugar, es necesario observar que la técnica de Matisse se basa en el uso de colores primarios, contrastados estos con los suplementarios. Por otro lado, en cuanto al tema del espacio, Matisse genera sus cuadros y sus obras integrando figura y fondo.

Con el objetivo de utilizar este mismo método, y para ayudarnos, hacemos en un primer momento un boceto de nuestro compañero.

Este primer boceto que he realizado va por la línea de lo icónico, equivocada en este caso, pues le he dado demasiada importancia a elementos poco significativos como la ropa, las zapatillas, y dejando de lado elementos que caracterizan a esa persona, su esencia. Sin embargo, el segundo dibujo estaba más centrado en una representación menos figurativa, a través del empleo de líneas continuas, curvas (adaptadas al cuerpo humano).

En el segundo boceto he añadido color para representar, dentro de los métodos del Fovismo, las luces y las sombras.

Al finalizar la clase, este es el resultado que he obtenido.

Es importante el uso de los colores en el Fovismo. En este caso yo he introducido otros colores obtenidos a partir de mezclas de los suplementarios y complementarios, lo cual no funciona muy bien ni da el efecto que yo pensaba que iba a dar. 

Finalmente, para conseguir la integración entre figura y fondo, debemos ir configurando ambos a la vez,y no de forma independiente.

FONDOS GENERATIVOS

Fondo generativo de tres capas distintas a través del empleo del color. Material: rotulador.

Figura que emerge a través de la ocupación de los espacios creados por las líneas del fondo.

Fondo generativo de una sola capa. Material: acuarela sobre cartulina verde.

Figura que   emerge a través de la superposición de líneas con otro color sobre el fondo. Material: acrílicos.

Fondo generativo de cinco capas. Material: pilots  y rotulador.

Figuras emergidas a través del difuminado de los espacios que crean las líneas principales del fondo. Herramienta: Photoshop

11 SEPTIEMBRE 2012

   Comenzamos la clase de hoy con un pequeño recorrido histórico por el arte. Desde el Renacimiento hasta ahora se han estado produciendo figuras. Pero esas figuras no se han representado del mismo modo a lo largo del tiempo.
   El Renacimiento, con el descubrimiento de la perspectiva, y gracias a la aparición del volumen, se caracteriza por la verosimilitud del espacio, es decir, en esta época se buscaba una representación fidedigna de la realidad. Destaca Giotto, enmarcado el periodo del Trecento.
   Para romper la figuración de este período, tiene que surgir otro movimiento: el Barroco. Con él, poco a poco, la relación figura fondo se empieza a romper, a través del uso del claroscuro, de la pérdida del punto de vista y el juego de luces y sombras. Es decir, se resta certeza al objeto, y se sustituye por incertidumbre. Se hace mención, entre otros, a Rembrant, a Caravaggio, quien radicalizó el uso de la luz para dar lugar a espacios ambiguos, y por supuesto, al Greco, quien se adelantó a su época con la ruptura de las figuras.
   Más adelante, el Impresionismo, rompe definitivamente con la nitidez de la figura, eliminando la silueta y centrándose en la pincelada. Este movimiento dará paso al Fauvismo, en el que vamos a trabajar hoy.
   Su nombre viene del francés Faub, que significa salvaje. Este movimiento supone la ruptura de la figuración anterior a través del color, con el objetivo de crear espacios absolutamente fragmentados. En esta vertiente destacamos a Henri Matisse, cuyas obras vamos a observar hoy.

Obra de Matisse

Obra de Matisse

Obra de Matisse

 A raíz de esto, el trabajo de clase de hoy consistía en hacer un retrato de retrato de nuestros compañeros a partir de un boceto previo en el que separábamos las zonas de luz (colores cálidos) y sombra (colores fríos).

Boceto

Mi dibujo

5 OCTUBRE. EL ARTE DE LOS NIÑOS

   Continuamos en la línea del ARTE DE LOS NIÑOS y los locos. Podríamos asignar a esta forma de crear dos etapas básicas: una primera etapa exploratoria, en la que los niños experimentan con los gestos, y una segunda etapa, en la que estuvimos centrados ayer, más icónica. 

    Por tanto, hoy vamos a tratar la primera etapa. Vamos a explorar nuestros cuerpos ,los movimientos que somos capaces de realizar y la huella que estos movimientos dejan en el papel.

    Para ello, nos vamos a centrar en la vertiente HÁPTICA del dibujo, esa que tiene que ver con la movilidad y en la que el ojo no controla la mano. No se trata de buscar una representación de algo real, sino de explorar el papel simplemente, garabatear sin ningún tipo de control formal.

    El garabato tiene que ver con dos aspectos: en primer lugar la imaginación, para crear esas formas imposibles y que no siguen ninguna lógica aparente, y en segundo lugar, con la visión. Una vez tenemos las formas, los garabatos sobre el papel, vemos surgir imágenes sobre ellos.

    Esto quiere decir que sobre una primera madeja de líneas sin control, hago determinados gestos que me permiten cerrar una imagen. Es decir, se trata de proyectar sobre el dibujo aquello que yo quiero ver, y que las forman de mi papel me incitan a ver.

    Hoy nos vamos a fijar en ANTONIO SAURA, un artista autodidacta  representante del ART BRUT en España durante los años 60. Algunas de sus obras son la siguientes:

   Ahora nosotros debemos realizar algo análogo. Con el carboncillo, y sobre fondo blanco, crear un caos de líneas en distintas direcciones. Tras esto, debemos contemplar esas líneas, debemos encontrar espacios, formas que nos lleven a vernos a nosotros mismos, y con acrílico, terminar el dibujo.

Mi dibujo

    

4 OCTUBRE 2012. Comenzamos a producir figuras, a través del ROSTRO.

    Nos adentramos en la segunda parte del curso. Poco a poco nos vamos acercando al objetivo final del curso, un objetivo cercano al oficio de la arquitectura: producir figuras tridimensionales habitables.
    Estos días pasados hemos estado TANTEANDO, probando, no sólo a través de distintos artistas, sino también con distintos tipos de material: pasteles, tizas, chunkys....
    Y poco a poco, hemos ido adoptando, en cierta medida, la postura del que pinta, nos hemos relajado y hemos perdido el miedo a enfrentarnos a un papel blanco, vacío y a ser capaces de crear algo sobre él.
    Hoy nos vamos a centrar en producir figuras, pero no de cualquier manera, sino a través del rostro, de nuestro propio rostro. Un autoretrato, esa es la primera tarea del día.

Autorretrato 1

   
    Una vez finalizados los dibujos, entre todos elegimos los que más nos llaman la atención. Ahora toca analizar el trabajo que hemos hecho. A simple vista, se ve que casi todos nosotros hemos intentado hacer un retrato figurativo, representar la realidad tal cual la vemos, sin interpretarla. En consecuencia, la mayoría de los rostros se asemejan a máscaras, han perdido la expresión, no trasmiten nada. Sin embargo hay un par de dibujos que han ido más allá de la simple representación de una realidad inerte. Son dibujos que han interpretado, han tratado de expresar a la propia persona y los sentimientos que desprendía en ese momento.
     Pero lo más llamativo de todo esto, es que han sido esos dibujos los que más nos han llamado la atención a todos, y sin embargo, casi ninguno nos hemos atrevido a hacer algo parecido.
     Sin embargo, ahora lo vamos a hacer. Nos adentramos en el llamado ART BRUT,  tipo de arte concebido por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte creado fuera de los límites de la cultura oficial; el interés de Dubuffet se dirigía especialmente hacia las manifestaciones artísticas llevadas a cabo por pacientes de hospitales psiquiátricos.
     Dubuffet afirmaba que todos llevamos un POTENCIAL CREATIVO que las normas sociales actuales anulan. Y este arte lo que pretende representar es esa creatividad.








    Estos son algunos ejemplos de esta tendencia. Ahora debemos repetir nuestro autorretrato pero siguiendo esta línea, siendo creativos, y originales, y al mismo tiempo, poniendo en práctica todas las técnicas que hemos aprendido durante las primeras semanas del curso.

   

    Finalmente, estos rostros son los que he dibujado, mucho más divertidos y originales que el primero.